“艺术的朋友”
“艺术的朋友”是中国当代艺术展览中鲜有的大型藏家群展。展览于7月8日至1月28日在上海油罐艺术中心向公众开放，其透过多种藏家群体的丰富视角，融合全球的当代艺术收藏构建；全面且深度探讨当下的时代焦点，反映新世代藏家对于“艺术”本身更丰富而多元的理解与行动。
以下是“凤凰艺术”为您带来的采访报道。
一进展厅，许多观众就会被一组熠熠闪光的灯所吸引。这件来自菲利普·帕雷诺的作品被放置在罐体后门的门头位置上，恰似对于观众观展路线的指引。
这件作品像是百老汇剧场的华丽装潢。它吸引观众进入，体验一个截然不同的迷幻空间。这是一份满怀着诚意的真诚邀请。
▲“艺术的朋友”展览现场，油罐艺术中心，2023，摄影：JJYPHOTO。图中作品：菲利普·帕雷诺，《华盖》，乳白色丙烯酸玻璃，霓虹灯，灯泡，调光器，dmx播放器，120 x 182.8 x 101.4 cm，2011
2018年，乔志兵在“乔空间”做过名为“艺术赞助人”的群展，“艺术赞助人”所邀请的36位藏家当时被冠以“重要的中国当代收藏家”，乔志兵的愿景是借此展览“展现中国当代艺术收藏家群体的现状与全球当代艺术的面貌”。
当前呈现的展览“艺术的朋友”是这一系列的延续。和前述展览的不同之处在于，“艺术的朋友”面向的都是入行不久的“新世代藏家”。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
“新世代”之“新”并非指的是年龄，而是他们进入收藏领域的时间。尽管这批藏家的确以年轻人居多，但其中也有年龄偏大的藏家。
策展人乔丹告诉我们：“因为这次展览是有集合56位中国的藏家参与进来的展览，然后现在的藏家的状态很多也很年轻，然后甚至是跟艺术家一起同时长大，所以我觉得可能在朋友这个这个词上就是很会很亲切，大家都是艺术的朋友，这是我们为什么会去起这样的名字的原因。”
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
本次展览所展出的作品既有杨福东、张恩利、丁乙、孙一钿等赫赫有名的中国艺术家，也有沃尔夫冈·提尔曼斯（Wolfgang Tillmans）、西蒙·斯塔林（Simon Starling）菲利浦·帕雷诺（Philippe Parreno）等国际知名艺术家。
“艺术的朋友”分为两期展陈，7月8日到11月8日是为第一期，首先有30位藏家藏品亮相，11月8日至次年1月28日，另外26名藏家藏品于展览第二期与公众见面。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
这一批在全球化、信息化的浪潮中成长起来的藏家，恰逢经历了世界疫情三年的动荡变化。他们如何看待当代艺术，如何遴选、如何判断一件作品，这在很大程度反映下一个世代艺术市场的眼光和逻辑。
当这批新兴藏家跃入主流，成为艺术收藏界的中坚力量，他们的审美趋向将很大程度上画廊、艺博会的风格趋向，从而也将对未来艺术家的创作产生影响。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
乔丹透露：“50多个（新）藏家也可以大概分为三类，第一类就是其实爸爸妈妈自己就是藏家，但可能收藏更偏向古代，可能年轻的人更喜欢当代，他其实是有收藏的熏陶的。然后还有一类他自己从事的行业就跟文化和艺术有关，所以它自然而然会受到当代艺术的影响，然后再来有一类可能自己学习的是艺术，所以就是喜欢，所以有这个可能是在上艺术院校，所以他会收藏当代艺术，大概是这几类。”
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
经过了疫情的三年，中国乃至全球的当代艺术市场生态都有所变化。世界正在面临局部战争和通货膨胀造成的经济压力，这对于整体的市场环境也造成了冲击，艺术品市场必然受到波及。
油画与中国当代艺术板块在2022年成交总额仍下降了54%，成交率降至历史新低39%。在海外地区，总成交额进一步收缩，仅为2.9亿美元（19.7亿人民币），同比上年大幅下降了35%，平均成交价也下跌了34%。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
当被问到这一现象对于艺术藏家的影响时，乔丹表示，与参展的新藏家的交流中，她并没有感受到太多市场的负面情绪。
对于未来的乐观，以及某种与经济形势不同步的热情，是新藏家迥异于老藏家的显著特点。尽管他们不乏对于市场形势的敏锐判断，但年轻本身就是一种稀缺的资本。这种对于新领域的热切目光，以及他们对于自己生涯的长线预期，让他们更不患得患失，拘泥于当下的行情起落。
▲莫娜·哈透姆，《铜色的球》，头发，直径 9 cm。图片由艺术家及巴黎桑塔画廊提供，藏家：项偞婧，“艺术你我C”创办人、星空间合伙人之一
新藏家崛起于行业相对不景气之时，因此他们似乎并不对收藏的潜在收益抱以过多的关注，而是更多地关注艺术品本身。他们对于作品的态度更加纯粹，甚至有时候他们会出于自身的一时喜好，做出许多从投资角度并不那么符合“理性”的收藏。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
相比于老藏家，新藏家对于媒介的选择更加多元。“这次给我最大的感受是大家的
对于收藏上的标签和界限会放开非常多”，乔丹介绍到，
新藏家的收藏偏好并不局限于传统或单一媒介
，“像有一些资深藏家，他就说我只收藏中国的当代艺术，或者我只收藏某一种媒介，但是我发现在年轻的藏家上，他其实完全没有。他的接受度很高，可能他也不会比如说我收藏绘画一定是看绘画的笔触，可能就是这个内容主题我喜欢，我会觉得很开放很包容。”
▲加百列·里科，《将事实转换成另一个也满足规则的对象》，2021，陶瓷，硬币和木头，113 × 96.5 × 31.8 cm，藏家：华子涵，北丘当代美术馆馆长
作为商科背景出身的艺术工作者、机构负责人，北丘当代美术馆馆长华子涵在机构运营中回应着因艺术而启动的生活经验。历史、自然和现实交织，先锋与传统反复试探，当代艺术的在地性、多模态化和不确定性都在北丘当代美术馆这里得以响应。
调查数据可以佐证乔丹的说法，2022年X世代（出生于1960年代中到1970年代末）在绘画上的平均花费为14.5万美元，而千禧一代为10.8万美元。相比之下，千禧一代在雕塑、装置、摄影、电影和视频艺术上的花费更高。
▲段建宇，《遗落在人间的珍宝 No.2》，2014，素瓷，鸡蛋，玻璃钢底座，54.5 × 60 × 140 cm。图片由艺术家及维他命艺术空间惠允提供，藏家：张恺镕，之已基金会创始人、当下艺术基金会联合创始人
有观点认为，艺术市场的相对低迷会让人们的文化趣味趋向保守，人们会本能地不信任那些资本市场的概念与提法，例如NFT如今的声量已比它横空出世时小了许多。艺术收藏也遵循这一逻辑，但新兴藏家的“懵懂”却也振奋人心，他们选择相信新媒介，也即是选择相信当代艺术的未来。他们是不明朗的前路上，为人们高举火把的人。
▲蒋志，《字》，2018，单屏高清录像，彩色，有声，15分49秒。图片由艺术家与MAGICIAN SPACE提供，藏家：郭佳鑫，The Soil Collection 联合创始人
何谓“朋友”？朋友并不出现在坦途，而是在迷途。“时穷节乃现”，“艺术的朋友”正是如此，他们并不乘着风口而来，他们陪伴当代艺术走过晦暗的阶段，并守候着它的复苏。
如今，人们捱过了疫情的三年，艺术市场亦有回暖的迹象，“艺术的朋友”和他们的珍贵藏品们，如约与众人见面。
▲“艺术的朋友”展览现场 摄影：董洁旭
部分藏家作品
/ 赵文溪 /
目前工作生活于北京和纽约。她本科毕业于纽约大学，并取得经济学学士学位。而后于2017年取得佳士得学院艺术史与艺术品管理硕士学位，并曾就职于纽约佳士得印象派及现代艺术部门。赵文溪的收藏聚焦于中西方当代艺术，包含了绘画、雕塑、装置、影像等媒介。
▲叶凌瀚 Ye Linghan
《LUCY-S-008》
2020
布面丙烯
Acrylic on canvas
200 x 150cm
图片由艺术家及马刺画廊惠允
Courtesy of the artist and SPURS Gallery.
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《LUCY》系列的绘画和影像作品灵感来自于著名的人类祖先 “Lucy”，他试图以此为主角创造出一个虚拟的数字化原始世界，让观者回忆起伊甸园的荒诞幻想。他汲取了马蒂斯晚期的美学思想，运用了丙烯、拼贴和喷漆等多种媒介进行创作，探索众生和植物的原始形态。
叶凌瀚 1985 年出生于中国丽水，毕业于中国美术学院壁画系，现工作和生活在北京。
壁画和绘画学习背景的影响在叶凌瀚细致的视频和动画创作中是显而易见的，如他引起广泛关注的作品《最终试验飞行体》。时间性迫使叶凌瀚需要将图形、工艺、材料、结构、节奏和美学都充分体现在视频和动画制作的过程中，糅合了绘画、素描和数字动画，着重于简化和构建不同形式，营造出超现实的三维循环，没有强烈的叙事感，亦没有高潮起伏的故事变化。
/ 奚韬 /
专注于唱作音乐人的价值开发与提升，以音乐人品牌塑造法为基础，为不同阶段的音乐人提供个性发展策略、技术支持与商业化路径。
2020年及2023年分别策划推出音乐艺术跨界项目-“万物之与动物相遇”“万物2 遥远的相似性”。邀请音乐家及艺术家就同一主题分别创作，拓宽了艺术领域大众年轻受众群。2022年开办以艺术展览、现场演出、餐食和咖啡文化艺术综合的A26空间。伴随每两个月为一期的艺术实践，为大胆有为的艺术家提供舞台，展览伴随配套餐饮和演出，以突破常规的方式与观众形成一种新鲜且深入的互动。
▲托马什·克雷奇茨基 Tomasz Kręcicki
《纽扣》
Button
2023
布面油画
Oil on canvas
140 x 150 cm
图片由艺术家及施博尔画廊惠允
Courtesy of the artist and Esther Schipper.
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比例和身体是托马什·克雷奇茨基绘画的主题。他对日常事物和物品的描绘极具荒诞主义元素，而这些依赖于简化且重复的图形的形式，展现了艺术家对具象中的抽象的持续探索。被放大的怪诞感手指、身体部位或物体，看起来像巨大的彩色形状，徘徊在可被识别的临界点上。与此同时，那些着力于描绘日常物品的作品，比如威吓鸟类用的黑色长电线、图钉甚至是一个松动的按钮，都会唤起人们的焦虑和不详预感。克雷奇茨基的创作主题必然是存在主义的，传递出了当代政治以及它对个人的影响。
托马什·克雷奇茨基, 1990年生于扎雷，现于克拉科夫生活和工作。由于对电影着迷，克雷奇茨基采用了电影的取景技巧，通过灯光配置来营造画作中的意境。从黑暗中浮现的形状、被冰箱灯、智能手机屏幕或钠灯照亮的身体或物体。这些和其他程序是艺术家探索和记录日常生活的工具。有时有趣，有时悲伤，最常见的是两者同时出现。
/ 丁泽华 /
2022年3月，北京松泽艺术中心总裁、收藏家丁泽华正式出任松美术馆馆长，全面负责未来松美术馆的运营与管理。丁泽华先生对艺术有着极其浓厚的热情，个人收藏涉猎20世纪以来丰富的中国当代艺术作品，时刻关注中国当代艺术发展的新视角与前瞻性，力图建立中国民营美术馆现当代艺术的展示序列。松美术馆将以丁泽华先生的个人收藏为基础，通过深层次的研究，形成具有垂直性思考的展陈，增强松美术馆的学术性和专业性建设，全方位优化及维护民营美术馆的良性生态，积极参与并推动中国当代艺术的发展进程。
▲夏禹 Xia Yu
《空间感》
Sense of Space
2022
木板坦培拉
Tempera on board
120 x 90 cm
图片由松美术馆惠允
Courtesy of Song Art Museum.
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一个青年头戴VR设备，伸出双手，仿佛在感受另一种空间维度。作品《空间感》试图描绘今天的人和今天的光是什么样子。现在是科技快速发展的时代，VR技术开启了人在虚拟的真实空间中的感知，在这之前，人们是没有这样的体验的。画面中的人和现在的我们一样，刚刚开始这样的新感受。举起的手有仿佛有探索，触碰，丈量新的空间感之意。画面希望通过这样的安排，创造一个属于现当下的有意思的瞬间。
夏禹的坦培拉创作技法与形式的探索并存，那些记忆里的父母爱情，姐弟情深，亲密关系与青年愁滋味，在近年的创作中逐渐蜕变成现在进行时的都市生活图鉴，丰富而熟悉的生活场景让人代入感十足。画中人不断游走在居所与公司，城市与自然之间，在家务与工作，发呆与娱乐当中无缝衔接，在一次次生活空间的转场间歇切换不同的身份与角色。现代人的选择看似多样，却似乎再难拥有古人的避世之所和一片精神的自留地。生活从未变得如此的富足而有限，标准而疲惫。新的时代催促着每个个体将自己训练为时间管理大师，成为消费主义框架之下“Work hard, Play hard”的生活哲学家。夏禹的绘画恰恰展现了标准生活的破绽，正视生活中总会出现的无聊瞬间，却也自有平凡真实的可爱之处。
/ 元冰 /
目前工作于北京,在米兰理工设计学院完成设计管理硕士学位,旅居在欧洲期间她参访过很多重要的艺术机构和展览,其中威尼斯双年展和卡塞尔文献展中的很多艺术家都进入了她的收藏，如:Wolfgang Tillmans、Oscar Murillo、Katharina Grosse、Laure Prouvost、Hernan Bas、MariamCahn、Simon Fujiwara等。
▲赫尔南・巴斯 Hernan Bas
《黄昏沼泽生存指南》
How best to suffer swamp life at dusk
2020
亚麻布上丙烯
Acrylic on linen
274.3 x 213.4 cm
图片由艺术家及贝浩登惠允
Courtesy of the artist and Perrotin.
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《黄昏沼泽生存指南》是赫尔南・巴斯在疫情隔离期间所作。标志性的男子伫立在画面中央，与众不同的是男子手中持着的透明雨伞，伞布延长垂至地面，将他全部笼罩在内， 这似乎成为可以逃离现实世界的盔甲。他眼神迷离地望向远方的天际，在艺术家打造的奇幻风景中沉思着，满地的落叶和瑰丽的黄昏暗示隐含在人物内心的不安和焦虑情绪，渲染了画面的忧郁和脆弱感。赫尔南・巴斯用华丽的色彩和精细的笔触塑造了怪诞奇幻的景观，使得观众沉浸在这样一个介于现实与超现实的奇幻世界的同时也或许会反思自己是否能打破束缚，找到现实生活的出口。
赫尔南・巴斯，1978年⽣于美国迈阿密，现⽣活及⼯作于底特律和迈阿密。他的作品充满⽂学暗⽰，并带有虚⽆的浪漫主义⾊彩与旧世界的意象。巴斯把少年的冒险故事、古典诗词、宗教故事、神话、颓废⽂学和科学历史结合。作品主⾓⼏乎都是以年轻、忧郁的清瘦男⼦为主，和狂乱的背景和复杂的画⾯形成强烈对⽐，勾勒出⼀种唯美且不安的感受。
/ 朱珠 /
中国女演员、主持人、歌手、艺术收藏家，籍贯浙江临海，生在北京。
▲王加加 Wang Jiajia
《入眠，做梦，或者永恒》
The ends of a thousand worlds
2021
油画，喷漆，丙烯，树脂，布面数码打印
Oil, spray paint, acrylic, resin, digital print on canvas
200 x 350 cm
图片由艺术家及马刺画廊惠允
Courtesy of the artist and SPURS Gallery.
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对于艺术家来说，创作的过程是在经历时间; 对于观众而言，时间的刻度可以在每一层的互相影响中呈现。王加加作品所携的物质性是对地质时间下历史感的一种微观隐喻。他看似构建了一个平面的网络，电子游戏、音乐歌词到电影、体育运动等大量援引与线索混杂其间，这些线索又在纵深向获得了立体的维度——一方面，是当代生活“能指”的大爆炸，我们获取的信息和体验都被超载;另 一方面，是不同时间内在的崩塌:古老的传统、即逝的过往、童年的记忆、当下的时刻以及对未来的想象交混在一起。以创作过程与结果的博弈作为形成作品面貌的方法，以及艺术家对现成品图像的有意选择，令王加加的艺术在围绕着当代景观中无处不在的数码图像展开叙事的过程中，形成了流行元素与经典制式矛盾之下不同文化庞杂交融的精神图谱。
王加加，1985年出生于北京，3岁随父母移居伦敦，2008年毕业于英国中央圣马丁艺术与设计学院，获得学士学位，现生活和工作于北京。
同他的许多同代人一样，王加加在电视的普及、互联网的出现、流行文化的渗透中成长起来。自2016年开启“冒险”系列以来，艺术家综合数码简图拼贴、行动绘画笔触与丝网印刷技术，已经收获了许多关注。王加加的绘画看似布满抽象的笔触和厚重的颜料，但其每一笔在下笔之前都不乏思考。与西方绘画从素描和颜色入门不同，他的绘画训练始于勾线和临摹。用一种新且当代的方式表达较为传统的概念，是艺术家创作的核心线索之一。
/ 姚谦 /
作为历任台湾EMI、Virgin、Sony唱片公司总经理，姚谦出版过《我们都是有歌的人》、《如果这可以是首歌》、《一个人的收藏》等书籍；并担任《Ah-Art》纪录片监制和「细看常玉」策展人。他于2020年参与制作腾讯《啊！艺术》纪录片，镜好听《一个人的收藏》首支Podcast 于2021年上线；镜好听《一个人的收藏》第二季 Podcast 于2022年上线。
▲董大为 Dong Dawei
《风景画像 - 吉兰达约 03》
Landscape Portrait-Ghirlandaio 03
2022
水彩，高强石膏，木门
Watercolor, high strength plaster, wood door
200 x 68 cm
图片由藏家惠允
Courtesy of the collector.
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《风景画像》通过石膏翻模复现了窗户的立体透视结构，同时使用水性颜料画在石膏表面以呼应文艺复兴早期的湿壁画技术。风景，自然界的风光景色。在中国，很早就成为愉悦视觉和心灵的对象。但是在西方，风景作为独立的审美对象却是非常晚近的事情。
文艺复兴早期，风景只作为绘画的背景存在，大多时候被描绘的比较笼统。随着文艺复兴时期透视技术的不断完善发展，画家们渐渐有能力绘制自然界的复杂视图，对风景的描绘也越来越细致充分。但是直到18世纪之后，风景才慢慢独立成为一个绘画门类和不受歧视的绘画主题，仰仗于浪漫主义思想的盛行，人们开始由衷的赞美一片自然景观：“风景如画”。
除了出现在背景中，风景有时也会出现在文艺复兴时期绘画建筑的窗户中，被窗户的四条边框完整的隔离成一幅“画”。董大为以此作为西方风景画可追溯的源头，将窗户作为取景器，回溯风景画在西方绘画中的发源和历史，以及透视在西方绘画中的焦点地位。
董大为，1981年出生于辽宁大连。2004年毕业于鲁迅美术学院油画系，获学士学位。2011年毕业于法国布尔日国立高等艺术学院，获硕士学位。
“逆向思维”贯穿着董大为的整个创作经历。在纸本马克笔系列的创作过程中，董大为致力于以技术去技术化，以专业反专业化。当人类的主观意识被逐渐淡化，物质本身的原有价值就在被凸显。通过以形似数学精密的计算过程，绘制出在纸本上自由渗透的一个又一个大小相同却又相互堆积、进而组成新形状的图形，这便是董大为在去除掉了一个艺术家在创作时应该尊重美术史、美术技法等“原则性”后的产物。同时，董大为对于客观事物的尊重也表现在他描绘于石膏板上的风景中，掉落的色粉粉末中，悬挂在墙上的电磁炉中。
在董大为的作品里，所有的材料和绘画语言都变得更为纯粹，材料的自然之美被他呈现出来。正如董大为自己所言：“无论多么复杂、深刻的内容，我都倾向于用最通俗的语言表达”。
/ 禹丹 /
于2023年初在香港成立了一亖艺术基金会。禹丹对于中国西南地区、中国及国际当代艺术发展之长期关注，一亖艺术基金会依托禹丹女士之构建数年的个人收藏、策展实践和社会网络为基础，于禹丹所居住的四川成都、中国香港和英国伦敦作为连接点，以在地性、当代性、国际性作为愿景，积极为当代艺术实践的多元生长营造理想场域。
▲郑国谷 Zheng Guogu
《西面幻化5》
Visionary Transformation of the West 5
2022
布面油画
Oil on canvas
36 x 97 cm
图片由艺术家惠允
Courtesy of the artist.
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《西面幻化》系列展开自艺术家运用自己的经胳和身体感知西方绘画的过程，通过将这种探测和遭遇的经验转换成当代绘画，艺术家探讨艺术所带来的跨越东西方界限的能量流动，从而超越图像表象的差异。
对郑国谷来说，历史上的艺术作品不是作为表达的终点，而应该成为感知的起点，艺术家不是基于艺术史的知识和分析，而是通过引入类似“望闻问切”的感官探测方式来直接测试作品所携带的能量。在他看来，西方绘画历史中的的神学主题，和唐卡绘画所关注的主题遥相呼应，都呈现出虚实之间无限转换（幻化）的特性。
在《西面幻化》中，艺术家将不同绘画的正像与正像、正像和负像进行重叠，从而在正反之间，形象不断产生变幻，如镜像般无限延伸，揭示其显像背后隐蔽的空间。
郑国谷1970年出生于广东阳江，1992年毕业于广州美术学院版画系。目前生活和工作于阳江。郑国谷的创作涵括多种媒介，横跨行为、摄影、绘画、雕塑、书法、空间和建筑，探寻艺术与日常生活边界的融解，而其根本的驱动力来自于和日常生活进程密切相关的意念。
/ 苏敏罗 /
高级艺术顾问，艺术收藏家，上海赛森艺术空间创始人，致力于中国当代艺术的收藏与推广，长期支持中国一线及新锐艺术家的创作及拓展。苏敏罗把自己定位为“以藏养藏”的一类艺术收藏者，认为每一位收藏者都会有较为个性化的收藏偏好，而苏敏罗则特别喜欢能够凸显个人笔触语言的艺术作品。苏敏罗长期推动年轻艺术家与画廊及其他商业项目的合作，是将当代艺术作品推广到商业空间的先行者。
▲闫冰 Yan Bing
《白梨花》
White Pear Blossoms
2021
布面油画
Oil on canvas
150 × 130 cm
图片由艺术家及香格纳画廊惠允
Courtesy of the artist and ShanghART Gallery.
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闫冰对于乡村和城市的生活报以同情，并不认同需要为任何一个而放弃另一个。闫冰的作品《白梨花》中，能看到他在与故土重新磨合的过程中，所完成的、阶段性的自我蜕变与升华。与之前作品中所表现出的、略带阴郁和妖娆气质的超现实主义氛围不同，一株植根在泥土中的真实梨树，替代了之前悬浮在背景前的无根状态；而绽放在枝头上的朵朵明亮白花，也让整个画面被一种乐观且豁达的情绪所充盈。《白梨花》的这件作品，闫冰介绍到西北人家往往会在门口栽种白梨花，而雪白初绽的梨花所观照的，不仅仅是西北的过去，也是当下的社会。
闫冰，1980年生于甘肃天水，2007年毕业于中央美术学院油画系第三工作室，现工作生活于北京。在闫冰不同媒介的创作中，他通常直接使用平凡甚至是原始的日常物品为素材，并以绘画的方式刺探这些平凡之物的精神维度。在他所描绘的这些日常之物的表象下，隐藏的是艺术家对于生命认知的温度。闫冰的作品中透露出来的情感是复杂的，在简单朴素里渗透着感悟与思辨，疼痛和欣喜。在这些散发着“古意”的作品里，隐藏着闫冰对其个体经验与当下生存世界关系的深刻思考。
/ 陈晓雨 /
UCCA尤伦斯艺术基金会理事，独立音乐经纪人，近年来持续支持独立音乐人培养和音乐产业的发展。收藏艺术品大概有16年左右，近年来将更多的关注力放在中国当代年轻艺术家身上。
精湛呈现的画工和不俗的视觉表现力，作品展示出的时代背景和内容让人有共鸣的，往往是她最感兴趣的。
▲蒲英玮 Pu Yingwei
《某年某月某日（今昔何年）》
Some Day, Some Month, Some Year （What a Year）
2022
布面油画，亚克力，纸本拼贴，透明水色，蜡笔，色粉，金箔，邮票，喷漆，油漆笔，马克笔
Oil and acrylic on canvas, paper collage, transparent watercolor, crayon, pastel, gold leaf, stamps, spray paint, paint pen, marker
200 x 300 cm
图片由艺术家及蜂巢当代艺术中心惠允
Courtesy of the artist and Hive Center for Contemporary Art.
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《某年某月某日（今昔何年）》灵感来自于艺术家早年拍摄的一张胶片摄影，记录了其用双手打开自己日记本的一个细微平常的瞬间。而在此幅画作中，艺术家将这一微观视角放大至三米，而日记本上所记录的则是著名的诗篇《沁园春·雪》的节选：北国风光，千里冰封，万里雪飘。望长城内外，惟余莽莽；大河上下，顿失滔滔。山舞银蛇，原驰蜡象，欲与天公试比高……这也是一首革命浪漫主义情怀诗歌的典范，而在“旷世情歌”的概念中，艺术家也将情感视为一种方法，一种链接，它连接着个人与世界，我们与你们。
蒲英玮，1989年出生，现工作、生活于中国北京。2013年毕业于四川美术学院，获学士学位；2018年毕业于里昂国立高等美术学院，获硕士学位并获得评委会最高嘉奖。蒲英玮的工作被定义为一种具有强烈乌托邦热情的观念艺术实践。艺术家将其在公共领域中所践行的多重媒介与身份叙事理解为一次全面的动员。以个人史作为一个绝对的出发点，通过展览、写作、设计、讲演、教学等不同形式的工作，艺术家试图生产一种跨越了种族、国家、伦理等宏大命题的“元政治”。这种政治与我们所经历的现实同样复杂并充满悖论。
/ 潘阳 /
作为一位90后藏家，pan space创始人，于18年开始进入收藏领域，佛系收藏。
▲张季 Zhang Ji
《合影》
Group Photo
2021
布面丙烯，油画
Oil and acrylic on canvas
180 x 150 cm
图片由艺术家及蜂巢当代艺术中心惠允
Courtesy of the artist and Hive Center for Contemporary Art.
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在作品《合影》中，艺术家更多地使用曲线、斜线与垂直线的画面走向而不用横向，笔触、痕迹与线条割裂的画面使得其笔下的身体乃至整个绘画世界显得极其不稳定。此外，由于艺术家对于“身体”有着超验的理解，他极具个人性的描述很难被包括笔者在内的其他任何人传达，但是可以简单而笼统地概括为身体是一种具有社会性的公共媒介，其构造本身的社交属性被现代文明包裹后变得不显著，而绘画具有神奇的力量可以打开这一切，让一些与身体有关的却不可言说的隐秘可以公之于众。
张季 1993年生于北京，先后于芝加哥艺术学院和马里兰艺术学院完成本科及研究生课程。张季的绘画是由不稳定的构图、形状奇特的光区和线条，所形成的对人类“身体”的分离和挤压。
/ Ruby Li /
Li 主要在上海和香港，收藏之旅开始于 2013 年，从中国古代书画和中国当代艺术开始，近年来开始进入西方当代艺术领域的收藏。Li 的收藏一方面关注在中国和西方当代艺术史上具有重要地位的艺术家，另一方面持续赞助中生代的年轻艺术家。收藏的核心是希望能打破身份，性别，地域的局限，寻找真正能经得住时间的长河，历史的沉淀的艺术家。
▲丁乙 Ding Yi
《十示 2021-19》
Appearance of Crosses 2021-19
2021
椴木板上丙烯木刻
Acrylic and woodcuts on basswood
240 x 240 x 7 cm
图片由艺术家及香格纳画廊惠允
Courtesy of the artist and ShanghART Gallery.
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“我之所以选择“十示”，恰恰是因为它是一种符号，可以有各种各样的含义。……我希望人们可以聚焦在绘画的色彩上、线条上和画面的结构上，而不是画面所隐含的意义。只有当人们忽略了所谓的意义，他们才能更加开放地接受艺术带来的新感觉。”——丁乙
“十示”的本意，就是对世界的持续命名。它与人类的其他知识一样，希望和世界之间有着某种假设和某种解释。“十示”就是对世界最鲜活的映照。它追求那些不可知与流动，在看似僵化、概念化和符号化的图像中，所有的传统知识与现代时尚都与它无关。“十示”既可囊括那种现当代艺术带来求新求变的一面，也可以将这些新与变引向古老而恒定的精神事物，关乎存在的“深度体验”。正是在这种精神的烛照下，让我们即使与他人目睹了同样的事物，其心灵的体验也会不同。而且，这种不同正是得以保全并展示自我的唯一途径。丁乙就是竭尽一生的努力去寻找这种不同，并让别人相信总有“不同”的存在。它是心灵的自由，也是最根本的自由。
丁乙1962 年生于上海，现工作、生活于上海。其创作领域包括绘画、雕塑、空间装置和建筑。从 80 年代后期开始，他将视觉符号“十”字以及变体的“X”作为结构和理性的代表，以及反映事物本质的图像表现的代名词。
/ 曹吉祥 /
萃舍云集管理合伙人。它是一家面向当代艺术,以收藏、展览、研究为主要功能的非盈利收藏机构;其收藏注重不同媒介领域的艺术家在艺术本体层面的碰撞和思考,注重呈现年轻艺术家多样性的创作面貌和成长,注重东西方各种观念在历史整体背景及变化中的对话关系。
▲西蒙·斯塔林 Simon Starling
大裂谷穿越项目 Project for a Rift Valley Crossing
2015-16
硒调银明胶印刷品
Silver gelatin type LE/Selenium toned prints
98.5×121.7cm/103×126cm
图片由艺术家及萃舍云集惠允
Courtesy of the artist and The Cloud Collection
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这组照片是西蒙·斯塔林的 "大裂谷穿越项目"(2015-16)的一部分,这个多媒介的作品以使用从海水中提取的镁来建造一艘船为核心,并使用这艘船穿越它所产生的大海。这个项目是斯塔林为他2016年在诺丁汉当代的个展而开发的,并从他对工程师弗兰克·柯克的兴趣中演变而来,柯克在20世纪80年代用类似的方法建造了轻质的镁质自行车框架。镁取自死海——世界上氯化镁浓度最高的水体。
死海不仅是一个丰富的金属来源,而且是中东政治中的一个重要地点,位于约旦、以色列和西海岸之间。这样一个地方给项目带来了谈判和外交的需要,因为斯塔林同约旦和以色列当局合作制作艺术品,形成了在两个国家之间的麻烦水域航行的隐喻层。这张照片描绘了用从1900升海水中提取的镁制作的独木舟,停在建造它的海面上。
材料从一种状态到另一种状态的转换重生,以及现实和隐喻的循环旅程,构成了西蒙·斯塔林作品的很大一部分,他将其描述为 "一个思想过程的物理表现"。
西蒙-斯塔林于1967年出生于英国的埃普森。他毕业于格拉斯哥艺术学院,并于2003年至2013年在法兰克福的Städelschule担任美术教授。
斯塔林在2005年赢得了特纳奖,并在2004年入围了Hugo Boss奖。斯塔林目前住在哥本哈根。
/ 谢旖心 /
谢旖心女士常驻上海与北美，先后于美国及英国院校取得艺术史本科学士及硕士研究生学位，拥有艺术管理方面的从业经验，后任职于文化投资机构，探索艺术文化与其他领域有机结合的可能性。
▲王雪冰 Kiki Xuebing Wang
《蝴蝶罩衣 右》
Whalebone Right
2023
棉布面油画
Oil on calico
160 x 130 cm
图片由艺术家及LINSEED惠允
Courtesy of the artist and LINSEED.
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蝴蝶作为一种常⻅的装饰素材鲜少被赋予任何意义或象征,这在另一方面吸引观者反复审视观看,试图在神秘的天然纹样中寻找规律或主题。在《蝴蝶罩衣 右》中,王雪冰通过笔触晕染和留白作为构图手段,将蝴蝶的形象层叠切割成为某种景观。其中穿插于图形的轮廓线条促使观者去辨别所绘之物,而画面主体却因个人经验与认知不断演变,正如触发形变时刻的某个截帧,你无法准确说出它真实的面貌。
王雪冰1993 年出生于中国河南。她于 2016 年获得加州大学洛杉矶分校艺术学士学位，并于 2020 年毕业于伦敦皇家艺术学院，获得硕士学位。她现在伦敦生活和工作。王雪冰的画作通过奢侈时装和其他欲望之物的镜头，探索现代消费主义的扭曲视角。从聚光灯和高高的基座上取下，从巨大的广告牌和商业宣传中剥离，所描绘的流行服饰在规模、位置和价值的悖论中被困住、边缘化、移位和遮蔽，审视着将非价值转化为价值的可能性，以及辨别虚构与现实的可能性。
/ 闻宇 /
澳大利亚LalLal美术馆创办人。
闻宇自2013年开始接触和收藏当代艺术，迄今为止收藏了百余位等国内外现当代艺术家的多件作品。闻宇还通过澳洲LalLal美术馆支持艺术家开展艺术家驻留项目，在2017年至2019年期间，已有十余位中国当代艺术家完成了其艺术驻留项目。新的驻留项目亦在开展中。闻宇执掌的天宇羊毛工业总部位于江苏省张家港保税区，是全球最大的羊毛加工企业，布局澳大利亚、新西兰、南非、乌拉圭、阿根廷、意大利，为全球诸多奢侈品服装提供服务。
▲韦嘉 Wei Jia
无题 Untitled
2021
布面丙烯 Acrylic on canvas
230×200cm
图片由艺术家和来拍惠允
Courtesy of the artist and Cuppar Auction
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⻙嘉, 1975年出生于四川成都,1999年毕业于北京中央美术学院版画系。目前任教于四川美院版画系并生活于重庆。在中央美院求学期间即在版画领域获得许多重要奖项。2003-2004年转以压克力颜料创作为主,以类似版画的构图结构组成画面。作为中国当代“70后”画家的代表,⻙嘉早期创作将少年敏感又不羁的情怀,以叙事的语言铺陈开来。2010年后,⻙嘉逐渐将视野拓及独特或普世的人性,以及人与社会群体间的状态。⻙嘉的作品描绘了生命本质的面貌,动态的笔触介于具象及抽象之间,既定的轮廓消减,进一步的反应当代人在其所属的现实环境中,既永恒也变幻万千的种种生命状态。
/ 刘峰 /
佑港资本创始人
专注二级市场投资和并购
艺术和岩茶爱好者 喜欢写作
个人公众号“加斯顿的愤怒”
▲王音 Wang Yin
加油站 No.2 Gas Station No.2
2011
布面油画 Oil on canvas
130×162cm
图片由艺术家及开拍惠允
Courtesy of the artist and Cuppar Auction
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王音,1964年生于济南,成⻓于⻘岛。1988年毕业于中央戏剧学院舞台美术系。现在北京工作和生活。
王音把个人的情感经验、思想脉络贯穿于自己对近现代绘画史的认识中,把外缘的影响内化为纯粹个人化的生命经验。王音笔下这些色调内敛、沉静的事物往往传达了处于遮蔽下的当代生活之内在精神,画中的题材往往是无名者,无名物,无名处,而越是以无名的状态出现,似乎越趋近我们和世界遭遇的原初状态。
/ 车宣桥 /
美凯龙艺术中心发起人车宣桥是一名艺术赞助人，她也是红星美凯龙集团副总裁和设计家居品牌 THE SHOUTER 的创始人。
▲VS204, 205, 216
无题Untitled
Undated
Mixed media on canvas 混合材料
238.8 x 177.8 cm
Courtesy of the artist and Gladstone Gallery, Photography by David Regen
图片由艺术家及格拉斯顿画廊惠允,
摄影师：大卫里根
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苏特的作品灵感来自抽象表现主义、色彩理论，还有最重要的，她周遭的自然环境。在过去三十余年里，苏特以危地马拉为驻地，她频繁地利用身边环境中，在作品中姿态化地引入太阳、雨、风和树，也有策略地在未经处理的画布表面上融入了侵蚀的泥土、动物的生命、雨水和植物的遗存。苏特打破了材料的高低等级，将她工作室中的内容与生物世界放在平起平坐的位置上。
维维恩·苏特1949年出生于阿根廷布宜诺斯艾利斯,现居住在危地⻢拉的帕纳哈切尔,并在那里工作。她于1972年毕业于瑞士巴塞尔的Kunstgewerbeschule。
/ 王英菡 /
王英菡，持有香港大学国际及公共事务关系硕士学位，Tatler Gen.T艺术领域上榜者，M+视觉文化博物馆创始赞助人。
▲张如怡 Zhang Ruyi
《干梏岛屿》
The Dry-As-Dust Island
2022
混凝土, 钢筋, 钢丝绳
Concrete, rebar, steel wire
40 × 21 × 15 cm
图片由艺术家及东画廊惠允
Courtesy of the artist and Don Gallery.
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张如怡的作品以非人类中心论式的立场去考察，所要探讨的是被掩盖、排斥掉的暗面，通过具体情境的营造与设置，让平时被人忽视的、不可见存于工业现代性中的“暗色之物”重新浮现出来。张如怡通过对工业标准的瓷砖、建设材料的混凝土、沉默的植物造型等材料的介入与转换、收集与调度，将自己作为与这些实体一样的存在，去感受、体会、把握这些实体特有的语言和作用力，再以自己的方式，与这些实体进行对话，形成某种根本的相互依赖性。近期，张如怡创作了多层次的混合媒体绘画和装置艺术，她直接在墙上、画板上或画框内进行创作，以重新编码现代格子与古典格子之间的固有矛盾。通过在雕塑和装置作品中引入现成品，她进一步重置了格子的自动性，将其视为承载城市空间配置背后具体意愿的媒介。艺术家使这些分散在空间中的凝聚之物成为了身份与情感的象征，空间内外交错并互相参照，具象地提示了当前社会中个人存在的两难境地。
张如怡生于1985年，现工作并生活于上海。张如怡的创作主要涉及雕塑、综合材料绘画及据地装置。其观念实践始终围绕日常逻辑展开，作品因调和人工制品、工业经验以及城市生活而占据特殊空间。
张如怡的艺术创作存在于生活的逻辑中。围绕自我意识、物理空间、日常体察之间的隐秘关系而展开。从现实生活中提取时间切片和物质信息，捕捉、折叠、压缩、捏造出个体于日常现实之间相互指引与限制中情感瞬间的“物化”过程。她将人与现实，自然与工业景观之间主动或被动的作用力处理为“话语装置”，以秩序美学的关系语言来重建一个被“阅读”、“质疑”、“记忆”的空间。她以物反问物、以空间质询空间，由此对抗平静。
/ 杨佳霖 /
杨佳霖（Aria Yang），常驻北京与香港，拥有艺术管理方面的国际学历与本土机构经验。2022年与与郭佳鑫（Vince Guo）共同创立the soil collection，期待通过游牧式策展与针对年轻艺术家的委任创作建立一个流动的、可被讨论的收藏计划。
▲张移北 Zhang Yibei
锁在山岗里的银白色的花
Silvery flower locked in the hummock
2022
青铜 Bronze
158 x 23 x 10cm
图片由艺术家及马刺画廊惠允
Courtesy of the artist and Spurs Gallery.
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艺术家张移北作品以探讨材料（物质）为主，她对人与材料关系的关注也体现在创作时会刻意选取一些有关城市建设的元素，比如说化粪池、电力、水利，还有供热系统的部件，对她而言，正是这些基础设施连接了人与人、人与城市的日常生活。
张移北,1992年生于大庆。现工作生活于北京。硕士毕业于英国皇家艺术学院雕塑系,本科毕业于英国伦敦艺术大学雕塑系。
张移北从一个假定的命题出发,在介于艺术家、材料与观念三者关系的重新思考。在这种构思/反思过程中,艺术家和她的材料形成了实在世界,实在世界构成了观念世界,思维和材料共同构成了艺术家的意象,这种意象就像鸡与蛋的关系,通向了艺术家与材料之间的合作关系。
/ 张畅 /
藏家、当下艺术基金会联合创始人。
当下艺术空间是一家坐落于国家对外贸易基地（北京）博乐德艺术中心的非营利机构，其创办初衷是以支持中国年轻艺术家在本与国际上的文化交流、丰富围绕中国城乡建设的艺术及学术研究成果展示为目的，并最终以基金会的形式呈现。
▲何翔宇 He Xiangyu
小男孩 Asian Boy
2019-2020
不锈钢 Stainless Steel
140×40×45 cm/ 4×55×45 cm
图片由艺术家及空白空间惠允
Courtesy of the artist and White Cube
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《小男孩》可被视为对“可乐计划”（2009-2011）的一次重新点题。相隔十年，分别从两个关键的终端介入“生产-消费”循环的母题，提出对于艺术生产的原始材料和经济层面的探询。与“可乐计划”对于“可乐”的物质呈现截然不同，在这一雕塑作品中，“可乐”作为物质乃至作为视觉符号都是全然缺席的，只有男孩的目光与手势的交会作出一个模糊的暗示。这是一个面部表情略显困惑紧张，半身赤裸的男孩，他的一切特征都被极度简化和模糊化至“亚洲男孩”这一极其抽象的层面，他可以仅仅是艺术家自身的代表，也可以是“东方”这一巨大群体的化约。男孩用纤细麻痹的手指紧紧握住缺失的能指，作开启状，并在生命中第一次品尝现代灵药。这一私密的、羞涩的、与物质主义欲望有关的雕塑形象也是颠覆性的，因为它令人联想起有关第三世界或全球南部无辜生命的标志性图像，以及那危险的双手所能触发与引爆的湮灭。雕塑的细致纹理也反映了这一点：为呈现其独特的身体形态，每一版本的作品都必须在一个特定的窑炉中以超过1000摄氏度的温度均匀烧制6小时。
何翔宇(1986年,中国)是一位生活、工作于柏林的艺术家和电影导演。作为经历中国社会、经济和国际关系巨变的艺术家群体的一员,何翔宇的创作从其自身的独特文化经验出发。他游刃于绘画、雕塑、装置、影像及出版等媒介,并以宽广的时间跨度和创作规模,来省思与呼应地缘政治和历史格局的宏观动荡在特定个体身上宿命般的微观冲突。在其作品中,错位转换的物质材料、私密感知的身心体验与冷静抽离的历史视⻆在撕裂中共存,其动态平衡折射出属于历史断层一代的群体认知困境及为了突破困境的斗争。通过非线性的结构,何翔宇解析与批判了上述斗争中的文化碰撞、
吞噬和消化。
艺术家名单
David Altmejd 大卫·阿尔特米德
Hernan Bas 赫尔南・巴斯
André Butzer 安德烈·布特兹
Chen Yujun 陈彧君
Chen Xiaoyi 陈萧伊
Enzo Cucchi 恩佐·古奇
Henry Curchod 享利·柯桥德
Ding Yi 丁乙
Ding Shiwei 丁世伟
Dong Dawei 董大为
Duan Jianyu 段建宇
Simon Fujiwara 藤原西芒
Noémie Goudal 诺米·古达尔
Mona Hatoum 莫娜·哈透姆
He Xiangyu 何翔宇
Candida Höfer 坎迪达·霍费尔
Jia Aili 贾蔼力
Jiang Zhi 蒋志
Jiū Society 啾小组
Izumi Kato 加藤泉
Tomasz Kręcicki 托马什·克雷奇茨基
Li Binyuan 厉槟源
Marilyn Minter 玛丽莲·敏特
Yuko Mohri 毛利悠子
Oscar Murillo 奥斯卡·穆里略
Ouyang Chun 欧阳春
Philippe Parreno 菲利普·帕雷诺
Pu Yingwei 蒲英玮
Qiu Xiaofei 仇晓飞
Daniel Richter 丹尼尔·里克特
Gabriel Rico 加百列·里科
Pipilotti Rist 皮皮洛蒂·里斯特
Simon Starling 西蒙·斯塔林
Sun Yitian 孙一钿
Vivian Suter 维维恩·苏特
Wolfgang Tillmans 沃尔夫冈·提尔曼斯
Wang Yin 王音
Wang Guangle王光乐
Kiki Xuebing Wang 王雪冰
Wang Jiajia 王加加
Wei Jia 韦嘉
Issy Wood 伊西·伍德
Xia Yu夏禹
Xiao Jiang 肖江
Hiroka Yamashita 山下纮加
Yan Bing 闫冰
Yang Fudong 杨福东
Ye Linghan 叶凌瀚
Anicka Yi 安妮卡·伊
Zhang Enli 张恩利
Zhang Ji 张季
Zhang Zipiao 张子飘
Zhang Ruyi 张如怡
Zhang Zhaoying 张钊瀛
Zhang Yibei 张移北
Zheng Guogu 郑国谷
“艺术的朋友”：2023年7月8日至1月28日
（凤凰艺术 上海报道 撰文/范力文 编辑/范力文 摄影/董洁旭 责编/dbk 索菲）