北京当代艺博会
2026年5月21日—24日，北京当代·艺术博览会将登陆全国农业展览馆11号馆，以陆迹（LAND TRACE）为年度主题，贯通欧亚非大陆的地理脉络、历史变迁与文明谱系，聚焦地缘文化纵深与本土行走经验，打破媒介与地域隔阂，让多元艺术轨迹在此交汇碰撞。
本届艺博会汇聚全球22国49城144家机构，40家国际新锐与本土新面孔首次亮相，成为激活当代艺术生态的鲜活力量。
届时，“凤凰艺术”也将深度参与本次展会，并在展位上呈现著名演员、艺术家耿乐的个展和艺术作品，以及艺术家杨淞和全球的著名艺术家克里斯托、安东尼•塔皮埃斯 、卡洛斯•克鲁兹-迪耶、琼•布罗萨、理查德•安努斯科维奇、艾瑞克•费舍尔、路易斯•托马塞洛、纳尔逊•莱纳和加贺笃志等国际大师的艺术作品。
以下是“凤凰艺术”为您带来的预热报道。
耿乐个展项目“另一个现场”
每个人总有不为人知的某一个面向，如果不是看到耿乐的摄影、绘画、装置作品，可能很少有人会知道，作为演员的他，曾经就读的是中央美院的版画专业。
耿乐，生于北京，中国演员、艺术家。出身艺术世家，祖父为艺术家、设计家张仃。耿乐早年就读于中央美术学院附中，后进入中央美术学院版画系学习；这一早期训练构成了其此后绘画、影像与表演实践中持续展开的图像意识与身体经验。
20世纪90年代，耿乐进入影视行业，早期参演《头发乱了》《阳光灿烂的日子》等影片，后因主演《开往春天的地铁》受到广泛关注。作为中国70后演员中兼具学院背景与文艺气质的代表之一，他陆续出演《相爱相亲》《嘉年华》《我和我的祖国》《1921》《长津湖》《长津湖之水门桥》《刺猬》等作品，在不同类型的电影中形成了内敛、复杂而富有辨识度的表演路径。
耿乐出演《阳光灿烂的日子》剧照
《北京乐与路》
《十分钟年华老去》
耿乐凭《大风杀》获第15届北京国际电影节“天坛奖”最佳男配角奖及第六届新时代国际电影节“金扬花奖”最佳男配角奖；凭《刺猬》获第38届中国电影金鸡奖最佳男配角提名；凭《嘉年华》获第12届亚洲电影大奖最佳男配角提名；并凭《开往春天的地铁》获第26届大众电影百花奖最佳男演员提名。
在电影表演之外，耿乐长期持续绘画与影像实践。他以参演电影中的合作演员为对象创作肖像，作品涵盖绘画、摄影、影像与装置等媒介，关注面孔在合作关系、时间流逝与记忆沉积中的变化与可读性。其创作并非表演之外的延伸，而是在电影经验与图像实践之间展开的另一种现场。
▲ 耿乐《刺猬·我儿周正》《刺猬·大姐夫王战团》，演员王俊凯、演员葛优，2023年，丙烯画，80 × 100 cm，鸣谢：艺术家
▲ 耿乐《微笑的梅婷》，2008年，丙烯画，80 × 100 cm，鸣谢：艺术家
▲ 耿乐给闫妮画的速写
演员耿乐自称“总是在边缘”。他把画画看得相当慎重，对他来说，这不是兴趣爱好，不是工作之余的消遣，而是比拍戏更辛苦的工作，没法客串，“真正能够花时间画画，我觉得现在太奢侈了”……
▲ 耿乐与父母在一起。耿乐爷爷姓张，父亲因为历史原因而改姓耿——延安时期，由于工作需要，张仃将长子寄托给了延安城市部部长耿红，因此长子名为耿军，就是耿乐的父亲。
耿乐的爷爷张仃，对普通人来说可能是有些陌生的名字，而他的“作品”，从开国大典的美术设计，到动画片《哪吒闹海》，却都广为人知；耿乐的外婆邬析零则是国内著名的指挥家，《黄河大合唱》的延安首演，就出自她手。
虽然继承了爷爷的衣钵，走上美术的道路，不过耿乐却没有走到底。在青春期，他爱上了摇滚乐，并因为摇滚乐而成为演员，耿乐的生活看似与美术越来越远，却始终没有放下，而这些爱好，也成了他有别于他人的东西。
▲ 耿乐漫画中的爷爷张仃
▲耿乐的父亲与爷爷在相貌和性情上最相象。这张照片格外有纪念意义，是在厦门张仃美术馆，爷爷的巨幅照片前，长子、长孙、曾长孙一家人的合影。
学生时期的作品
上：耿乐为电影《不速之客》设计的Q版人像
下：拍摄《云之凡》时画的随笔
装置作品《不、好、意、思》
展览前言
耿乐的创作实践建立在银幕身体与再现性绘画之间的互构关系之上，并由此展开于电影与绘画之间。电影使他进入角色、叙事以及他人的生命；绘画则在一种更缓慢的时间性中运行，经由手的动作，将影像记忆、身体痕迹与个人感知重新组织。
植根于艺术世家的背景，并经中央美术学院附中及中央美术学院长达八年的专业训练所塑造，耿乐的绘画源自他对图像、身体性与观念反思的持续敏感。《另一个现场》呈现的，正是这些层层叠加的经验在画布上的再次浮现。家族、学院、电影与自我，在他的作品中彼此连接，也由此显露出一位艺术家如何在不同现场、不同身体与不同心境之间，留下属于自己的“陆迹”。
乔纳斯·斯坦普、肖戈
策展人
北京，2026年5月
▲《树》，耿乐，丝网版画，53 × 77 cm，鸣谢：艺术家
▲《青年湖》，耿乐，石版画，48 × 68.5 cm，鸣谢：艺术家
▲《橘》，耿乐，丙烯画，80 × 100 cm，鸣谢：艺术家
▲暗河，水墨
▲蛛影
▲耿乐创作的《蓝影子》
杨淞钢丝与香皂作品系列
杨淞自称「材料诗人」，在他眼中，当代艺术家便是以材料为韵脚、以空间为诗行的创作者，让日常之物挣脱原有属性，绽放全新叙事。本次展览两大系列作品，正是他对时间最诗意、最具象的诠释。
▲ 艺术家杨淞
钢丝系列是杨淞极具辨识度的经典创作，以不锈钢光丝构筑出流动的光影场域，部分作品边缘以手机芯片环绕成界。钢丝在空间中折射、延展，凝固光的行进轨迹，勾勒出无形的时空轮廓；手机芯片则暗喻数字时代的时间暴力——人们在屏幕中突破物理局限，却也被虚拟世界偷走真实时间，陷入高效却空虚的状态。这一系列作品，是杨淞对速度、技术与时间的持续探索，代表着理性、冷峻、永恒的机械时间，与酒店全球化、高效率的运转逻辑形成隐秘呼应，也与历史长廊沉淀的慢时光形成鲜明对照。
▲ 冰川来石，2025，材料 不锈钢钢丝 石头。100cmx100cmx15cm，售价11万
▲ 杨淞钢丝作品系列
此外，杨淞在近期还是用香皂和钟表进行创作。每一块被使用过的肥皂都像一件微型雕塑，是“人的存在”的具象化身。即便使用者早已离开，痕迹依然留存，这便是一种无声的“在场”。也正因如此，他将这组核心作品命名为《People》，一语双关。
墙上无数只小钟仅有秒针在“噼啪”跳动，意在提醒观者在被速度驱动的生活里，每一秒的当下感受，依然构成我们生命的意义。那些圆形肥皂钟摆周而复始的运动，正是人性最有力量的部分——生命在不断消耗、不断前行中，才生成意义。
国际大师版画
此外，此次展位还将呈现全球的著名艺术家克里斯托、安东尼•塔皮埃斯 、卡洛斯•克鲁兹-迪耶、琼•布罗萨、理查德•安努斯科维奇、艾瑞克•费舍尔、路易斯•托马塞洛、纳尔逊•莱纳和加贺笃志等国际大师的艺术作品。
在此场域中，在地与全球并存。而通过这些艺术家作品的并置，我们也试图向您呈现我们立足于全球艺术史的媒体立场。
下面，我们您呈现每件作品的详细介绍。期待与您的见面！
Christo/克里斯托（保加利亚,1935-2020）
《包裹喷泉》
Lithograph-collage /拼贴版画(Architectural Drawings by Pere Casajoana Architect)（建筑绘画由建筑家Pere Casajoana绘制）
2009,56.0x71.5cm,10/200
克里斯托（保加利亚，1935—2020）是闻名世界的“包裹艺术家”、“大地艺术家”，他和夫人让娜·克劳德作为艺术搭档，共同创作了许多经典的大型公共艺术装置，如《包裹国会大厦》、《包围海岛》等。他们的作品通常以织物和绳索为材料，将自然景观与标志性建筑包裹起来，在保留其形态结构的基础上改变材质的肌理，增强了视觉上的吸引力和震撼感。通过这些大型的纪念碑性装置，克里斯托夫妇隐晦地表达了自身的政治立场以及他们对大自然与人类文明的深刻关切。
这是克里斯托对于巴塞罗那加泰罗尼亚广场喷泉包裹项目的草稿版画。不同于普通版画，他的版画并非传统的蚀刻、铜板、石板、丝网、木板等印版，而是与印版结合的拼贴作品，由艺术家亲手制作。如果细看实物，可以看到正中的白色折叠纸张如浮雕突出，蓝色棉线穿绕其间。克里斯托的妻子珍妮于2009年离世，也正是这幅版画的创作年份。这是克里斯托人生和艺术的分水岭，后来他决定不再将加泰罗尼亚广场喷泉包裹项目付诸实现。
Antoni Tàpies/安东尼·塔皮埃斯（西班牙,1923-2012）
《Creu i S/叉 i s》
Etching/蚀刻画,1976,56x76 cm,HC
Antoni Tàpies/安东尼·塔皮埃斯（西班牙,1923-2012）
《Llambrec-1/兰布雷克-1》
Lithograph/版画,1975,76x56 cm,8/75
Antoni Tàpies/安东尼·塔皮埃斯（西班牙,1923-2012）
《Llambrec-7/兰布雷克-7》
Lithograph/版画，1975,76x56cm,25/75
Antoni Tàpies/安东尼·塔皮埃斯（西班牙,1923-2012）
《Aparicions-6/外观-6》
Etching/蚀刻画,1982,76x56 cm,6/99
安东尼·塔皮埃斯（西班牙，1923—2012）是欧洲二战后最具代表性的抽象艺术大师，是二十世纪欧洲先锋艺术的先驱。其作品的颜色一般都很简练，以冷色调或者土地的颜色为主。他使用了很多新的艺术媒介，包括在当时的学院派看来难登大雅之堂的纸箱、废纸壳等，同时大量运用灰色和黄褐色作为基底，在上面以沙子、泥土、矿石粉、水泥等日常材质留下刮痕或涂鸦式的符号，使画作如墙壁和大地一般厚重。另外他喜欢在作品中放入各种具有充沛自鸣性的符号，比如：数字、英文字母、十字架、几何图形等，其作品被定义为“非形式主义”。
Alan Charlton/艾伦·查尔顿（UK,1948）
《Border/边界》
Lithograph/版画,2019,140x200 cm,8/10
艾伦·查尔顿生于1948年，是英国的一位艺术家。他所有的作品都是以相同的方式完成的，这种创作方式可以追溯到1969年，当时他作坎伯韦尔艺术学院的学生创作了他的第一幅灰色绘画。灰色绘画似乎契合了艺术家对绘画的理念，而在过去的四十年里，他始终忠于这个理念。
在艺术中，灰色被视为现代感和都市感的颜色，它将满和空结合在一起；一方面代表客观性和功能性，另一方面代表情感的极端；与追求纯粹的建构主义单色不同，对于查尔顿来说，灰色是最有价值也是最具情感的颜色，比如忧郁的颜色。
他曾在埃因霍温市立博物馆（1976年和1982年）、克雷菲尔德Haus Esters 博物馆（1992年）、奥滕多夫库克斯港区现代艺术博物馆（1997年）和克莱沃库豪斯克菜夫-埃瓦尔德•马塔雷收藏博物馆（2002年）举办过重要的个展。
Carlos Cruz-Diez/卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（Venezuela/委内瑞拉,1923-2019）
《Induction Chromatique a double fréquence Série Orinoco 1/双频彩色感应奥利诺克系列 1》
Lithograph/版画,2018,60x60 cm,65/75
Carlos Cruz-Diez/卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（Venezuela/委内瑞拉,1923-2019）
《Caura-14/寇拉-14》
Lithograph/版画,2015,60x70 cm,53/75
Carlos Cruz-Diez/卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（ Venezuela/委内瑞拉,1923-2019）
《Couleur Additive Gris Cuatro/灰色的颜色添加剂四》
Lithograph/版画,2017,60x60cm,21/40
Carlos Cruz-Diez/卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（ Venezuela/委内瑞拉,1923-2019）
《Color Aditivo Cantarrana 2/坎塔拉纳的颜色添加剂 2》
Lithograph/版画，2016,70x100cm,39/40
Carlos Cruz-Diez/卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（Venezuela/委内瑞拉,1923-2019）
《Couleur à l'Espace Jerez/郝蕾丝空间的颜色》
Lithograph/版画,2014,69,7x100cm，37/75
卡洛斯·克鲁兹-迪耶兹（委内瑞拉，1923—2019）是欧普艺术、动态艺术最杰出的代表之一，他的作品挑战了色彩传统的意义，并提出：色彩与光和背景无关，本身即是一种体验的新概念。由此重新定义了艺术家、观众和艺术之间的关系，将色彩作为重新组建这三者之间联系的重要媒介。这使他成为20世纪色彩方面的主要思想家之一。
Michael Craig-Martin / 迈克尔·克雷格-马丁（Ireland/英国,1941）
《The Catalan Suite II - Sofa/加泰罗尼亚套房‖-沙发》
Etching with embossing/压纹蚀刻画,2013,45x45 cm,3/20
Michael Craig-Martin / 迈克尔·克雷格-马丁（Ireland/英国,1941）
《The Catalan Suite II - Soup Can/加泰罗尼亚套房‖-汤罐头》
Etching with embossing/压纹蚀刻画,2013,45x45cm,8/20
迈克尔·克雷格-马丁（Michael Craig Martin），1942年8月28日出生于爱尔兰都柏林，是一位著名的当代概念艺术家和画家，被誉为“英国艺术教父”的艺术家、教育家，其作品受到世界各地多间知名博物馆收藏，包括纽约现代艺术博物馆、伦敦泰特美术馆、巴黎蓬皮杜中心，以及马德里索菲亚王后国家艺术中心博物馆，其大型艺术装置亦常设于伦敦拉邦舞蹈中心及卢森堡欧洲投资银行内。11年前，克雷格-马丁获选皇家艺术学院院士(RA)；2000年他获颁大英帝国司令勋章(CBE)；2016年获英女王封爵，表彰他对艺术界的贡献。
Eric Fischl/艾瑞克・费舍尔（USA,1948）
《Without title 3/无题 3》
Lithograph/版画,2009,70x100cm,2/35
艾瑞克・费舍尔(Eric Fischl，1948-)，是美国新表现主义画家，当代国际画坛一位十分活跃的人物，在国际上享有很高的知名度。作为20世纪美国第6次经济衰退时期本土第一个伟大画家。受大众文化的影响，以其画作的悲喜剧似的想象、讽喻的描述，真实地反映了当时美国中产阶级的现状。尽管他使用的是传统的架上绘画技法，但笔触的随意、色彩的流淌、明暗的强反差和画面构图颇具摄影感又似漫不经心，给人以一次性写生的感受；他的画幅较大，画意极强，颇具艺术冲击力。美国艺术史家阿纳森（H.H.Arnason）把他和朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel）、大卫·萨利（DavidSalle）、罗伯特·郎格（Robert Longo）和辛迪·舍曼（Cindy Sherman）归为“新表现主义”者，一度成为被议论得最多的美国艺术家之一。
Atsushi Kaga/加贺笃志（Japan/日本,1978）
《Where are all our leaves?/我们的叶子都去哪了？》
Lithograph/版画，2012,21x29.7cm,2/20
Atsushi Kaga/加贺笃志（Japan/日本,1978）
《Micheal Jackson's skull with monkys/迈克杰克逊的头骨和猴》
Lithograph/版画,2012,21x29.7cm,1/20
加贺笃志（日本， 1978-）出生于日本东京，现在居住和工作在爱尔兰都柏林。他的作品通过一个住着各种小动物的虚构世界，来暗喻日常生活中所要面对的复杂社会问题和哲学危机。作品带有一点黑色幽默感和超现实感，有趣古怪，又简单可爱。他敏锐的幽默和非凡的想象力让观众心甘情愿地踏上了探索另类世界的旅程，得到了许多跨界人士的支持。
Nelson Leirner/纳尔逊·莱纳（Brazil/巴西,1932-2020）
《Assim é se lhe parece/就是这样，如果您觉得如此》
Lithograph/版画,2008,55x80cm,2/50
Nelson Leirner/纳尔逊·莱纳（Brazil/巴西,1932-2020）
《Rio 2016 - Natación/里约-2016 游泳》
Lithograph with collage/拼贴版画,2013,29x42x7.5cm,10/30
巴西艺术家纳尔逊·莱纳（巴西， 1932—2020）因艺术生产和消费的批评而闻名。作
为无政府主义者，他擅长把玩流行文化元素，以及艺术史上的规范作品作为自身绘画和拼贴画的主题。1961年，他首次举办个展；两年后，即被邀请参加圣保罗双年展。圣保罗艺术博物馆艺术总监阿德里亚诺·佩德罗萨将莱纳描述为“巴西当代艺术中最具影响力的名字之一"。
Luis Tomasello/路易斯·托马塞洛（Argentina/阿根廷,1915-2014）
《S/T 2》
Lithograph/版画,2012,50x50cm,19/50
Luis Tomasello/路易斯·托马塞洛（Argentina/阿根廷, 1915-2014）
《S/T 4 - Naranja/S/T 4 - 橙》
Lithograph/版画,2013,63x63cm,20/50
Luis Tomasello/路易斯·托马塞洛（Argentina/阿根廷,1915-2014）
《S/T 1 - Rosa/S/T 1 -粉》
Lithograph/版画,2013,63x63cm,20/50
路易斯·托马塞洛（阿根廷，1915-2014）因其对动态艺术运动的贡献而享誉国际。受到蒙德里安等几何抽象艺术家和教堂里中世纪彩色玻璃的启发，托马塞洛从50年代开始，尝试在静止的作品中利用光影的变化和视错觉来实现运动的幻觉效果。
César Paternosto/塞萨尔·帕特诺斯托（Argentina/阿根廷,1931）
《Untitled 4/无题 4》
Lithograph with collage/拼贴版画,60x60cm,17/20
César Paternosto/塞萨尔·帕特诺斯托（Argentina/阿根廷,1931）
《Untitled 1/无题 1》
Lithograph with collage/拼贴版画,2020,60x60cm,19/20
塞萨尔·帕特诺斯托是最著名的阿根廷艺术家之一，为几何抽象做出了独特的贡献。他的画作最初以鲜明的色块为特点，但很快脱离了传统绘画的基本构成——矩形画布的平面，重申了绘画行为和媒介本身的相关性。
León Ferrari/莱昂·法拉利（Argentina/阿根廷,1920-2013）
《Mod. 9/模式 9》
Lithograph/版画,2009,56x38cm,2/50
莱昂·法拉利（阿根廷，1920-2013）是阿根廷最重要的视觉艺术家之一，他乐于挑战传统意义上的多元性，运用木头、陶瓷和金属丝雕塑、绘画、拼贴和绘画等多种混合媒介，以激进的艺术语言表达其对阿根廷政府、西方帝国主义和教会的批评、控诉甚至是憎恨。其作品中常常出现被恶搞和侮辱的基督教和政治人物形象。面临着“过于政治化”的批评，他总是以讽刺或幽默回应，始终保持着与世界不公正现象作斗争的坚定决心与旺盛精力。
Richard Anuszkiewicz/理查德·安努斯科维奇（USA, 1930）
《Untitled/无题》
Silkscreen/丝网印刷,1973,101x75cm,132/150
理查德·安努斯科维奇（美国，1930—）是20世纪60年代末至70年代初欧普艺术运动的创始人和领军者。他善用辐射的线条、互补色重复几何图形产生的微妙化学反应，营造出“万花筒”般闪烁眩目和有纵深感、运动感的视觉效果，最终实现对视知觉的欺骗。其作品曾在威尼斯双年展、佛罗伦萨双年展和文献展展出，《生活》杂志称他为“欧普艺术的新鬼才之一” 。
Joan Brossa/琼·布罗萨（Spain,1919-1998）
《Familia/家庭》
Lithograph/版画,1989,38x50cm,15/50
Joan Brossa/琼·布罗萨（Spain,1919-1998）
《Hollywood/好莱坞》
Lithograph/版画,1989,38x50cm,13/50 (Last available)
Joan Brossa/琼·布罗萨（Spain, 1919-1998）
《Poema visual 17/视觉诗 17》
Lithograph/版画,1989,50x38cm,14/50
Joan Brossa/琼·布罗萨（Spain,1919-1998）
《Contra l'atzar/反对机会》
Lithograph/版画,1989,50x38cm,38/50
琼·布罗萨（西班牙，1919—1998）是在西班牙现代艺术史上留下浓墨重彩一笔的多栖艺术家，他倡导反形式主义运动，对于战后西班牙国内先锋艺术的发展起到了推动作用。他对日常物品的艺术审视中，可以窥见达达主义和超现实主义的影响。以符号、字母和物体的混搭为标志，成为他作品的一大特色，反映出艺术家对文字表象和真实意义之间的距离的冷静审视。因此琼·布罗萨也被誉为“视觉诗人”。
Zhang Da li/张大力（China/中国,1963）
《The deep blue sky/深蓝色的天空》
蓝晒油彩/oil paint,2015,110x156cm
张大力，1963年生于黑龙江省哈尔滨市；1987年毕业于北京中央工艺美术学院；现生活工作于北京。张大力是一位有高度历史感的艺术家，他在中国当代艺术发展的过程中，不仅是积极的参与者，也不断有优秀作品推出，并保存有完整的个人文献资料。作为一位职业艺术家，张大力没有为了迎合市场而不断改变创作方向，他保有着连贯性的思维与视觉逻辑，并始终保持着很好的创作状态。纵观他不同时期的不同类型的作品，形式上跨度很大，内容也几乎涵盖了人类社会的文明演变、环境破坏、生命本质等主要问题。对张大力而言，形式只是思想的延伸，他十分注重个人对现实的感受，从而寻找表现观念与艺术手法的形式。
He Duoling 何多苓（China/中国,1948）
Lithograph/版画（含艺术家签名）,94x124.5cm
何多苓，1948年5月生于中国四川成都，中国当代抒情现实主义油画画家的代表，“伤痕美术”代表人物。其艺术具诗意的特质，重绘画性，唯美、优雅、感伤，他追求的是无拘无束的自由度。他的艺术造型功底坚实而全面，落笔之处，人物、景象充满生命活力。他在形式语言上所推崇的单纯感与中国传统水墨画具有异曲同工之妙，在洗练中见细致，于单纯中现复杂，表现出一种超然的精神境界和深层次的艺术追求。
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（凤凰艺术 预热报道 采访/王家北 编辑/dbk 责编/dbk）
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